The Los Angeles Latino International Film Festival (LALIFF) will celebrate its 25th anniversary from May 27 to 31, 2026, at TCL Chinese Theatres, Egyptian Theatre, and Ovation Hollywood. The opening ceremony will feature the hybrid film 'Valentina' and honor Jennifer Lopez and Paulina Chávez, followed by a reception at the Roosevelt Hotel. The closing night will showcase the documentary 'TheyDream.' The festival's narrative and documentary program includes over 20 Spanish-language films, with a focus on works addressing South American military dictatorships, such as 'Hangar Rojo,' which tells a true story of an unexpected hero.
Del 27 al 31 de mayo del 2026, los TCL Chinese Theatres, el Egyptian Theatre y Ovation Hollywood albergarán las actividades correspondientes al Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles , que celebra 25 años de existencia.
Ya dimos a conocer que el evento se inaugurará con “Valentina” ; pero este será solo uno de los elementos presentes en una gala de apertura que servirá también para rendirle homenaje a Jennifer Lopez y a Paulina Chávez, y que concluirá con una gran fiesta de bienvenida en el hotel Roosevelt de Hollywood. El cierre, por su parte, contará con la proyección de “TheyDream” , que será sucedida por su propio evento festivo.
Pero lo que nos interesa ahora resaltar es la presencia de películas en español dentro del programa de largometrajes narrativos y documentales, que incluye más de 20 títulos. Por cuestiones de tiempo y de disponibilidad del material revisado, decidimos centrarnos en una cantidad limitada pero sustanciosa de los trabajos que hemos podido ver por adelantado, y que analizamos a continuación. Nuestra lista se encuentra en orden de preferencia.
El tema de las dictaduras militares que azotaron a Sudamérica entre los años ‘60 y los ‘90 ha sido retratado de diferentes maneras en el cine procedente de Argentina, Chile y Brasil; pero “Hangar Rojo”, que se basa en una historia real, encuentra un modo distinto de aproximación a la denuncia del fenómeno al presentarnos a un héroe insospechado.
Y lo hace no solo desde la adopción del punto de vista -es decir, centrándose en un antiguo jefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea que se enfrenta súbitamente a la llegada inesperada del golpe de estado y a la transformación de su cuartel en un centro de tortura-, sino también desde una perspectiva moral que busca revisar el tan manido concepto de la ‘obediencia debida’. Aquí, Jorge Silva, un integrante destacado de la unidad de paracaidistas que colaboró con el desmantelamiento de un intento de asesinato del presidente Salvador Allende, es colocado en una situacion particularmente angustiante cuando sus superiores empiezan a hacerle demandas que atentan descaradamente contra los requisitos mas básicos de los derechos humanos.
Lo interesante es que, en lugar de ofrecer una mirada grandilocuente del tema, la ópera prima de Juan Pablo Sallato, que podría ser definida como un ‘thriller’ histórico, opta por una aproximación íntima y discreta que se plasma tanto en el blanco negro empleado como en la actuación contenida y constantemente sorprendente del protagonista Nicolás Zárate, cuyo lacónico personaje se debate constantemente entre su compromiso con la disciplina castrense y sus propios principios éticos, que no son nunca enunciados ni mucho menos sobreexplicados.ueves 28 de mayo, 9:30 p.m., auditorio 3 de los Chinese Theaters Lo que parece inicialmente una cinta de maduración se convierte súbitamente en un relato de terror saludablemente extraño que no le teme a los coqueteos con la serie B, pero que cuya originalidad la lleva a trascender los ámbitos de la ‘exploitation’.
La trama, referida a dos adolescentes inseparables que no son precisamente populares en la escuela y que ven sus vidas cambiadas luego de que una de ellas empieza a sufrir cambios sobrenaturales tras un encuentro sexual, no parece realmente original, ya que recuerda a la de “Ginger Snaps”, la película canadiense que se acaba de relanzar en 4K; pero el hecho de ubicar la historia en un entorno tan específico como el de una escuela privada de Ciudad de México y de hacer que las protagonistas provengan de entornos modestos indica desde que el inicio que estamos ante algo distinto.
Al comienzo, Ligia y Mayte se enfrentan no solo a los ‘bullies’ y a los comentarios homófobos que se hacen sobre su relacion, sino tambien a los retos que implica tener una fiesta decente de quince años para chicas como ellas; pero sus problemas no quedarán allí, ya que se verán significativamente aumentados por un embarazo que, además de indeseado, se está desarrollando a un ritmo vertiginoso.
Pese a que Martu y Oz son mucho mayores que sus personajes, ambas logran interpretar de manera absolutamente convincente a las muchachas de 14 años, respaldadas sin duda por un guión que no toma atajos y que resulta a veces sumamente crudo, pero que se siente definitivamente realista cuando tiene que serlo, es decir, antes de la llegada de la violencia extrema y del ‘gore’, filmados sin florituras y con ingenio por el dúo de hermanos Jack y Yossy Zagha, quienes asumen las labores de dirección.
El fantasma de las dictaduras sudamericanas se encuentra también presente en “El lugar de ausencia”, pero de manera tangencial y ciertamente creativa, porque sirve para trazar paralelos con las incontables tragedias humanas vinculadas al fenómeno que adquiere protagonismo en el documental: la desaparición de miles de migrantes procedentes de Centroamérica durante un trayecto cuyo destino es los Estados Unidos.
Partiendo de la pérdida de su tío materno , y del ya prolongado hermetismo emocional de su madre al respecto, la realizadora Marialuisa Ernst traza una conexión emocional con la Caravana de Madres de Migrantes Desaparecidos, a la que sigue con sus cámaras en un viaje de 2,500 millas a través de México.
Alejándose del formato tradicional de los documentales, Ernst, que se encuentra radicada en Nueva York, muestra a estas mujeres activistas en plena lucha y combina las imágenes con el proceso de sanación de su propia familia; pero apela además a técnicas artísticas para superar la simple exhibición de hechos, permitiendo con ello que su trabajo tenga tanto un aspecto de denuncia y de reclamo como un aura incuestionablemente lírica e inspiradora.
Sábado 30 de mayo, 4:45 p.m., auditorio 1 de los Chinese Theaters Pese a que cae con gusto y de manera frecuente en la trampa de los clichés, “Milly, la Reina del Merengue” es una película que merece ser vista por diversas razones, empezando por el hecho de que se trata de una representante inusual de una cinematografía emergente a la que tenemos muy poco acceso: la dominicana.
Además de su atípico origen, la producción, dirigida y escrita por Leticia Tonos, cumple desde el inicio con fines informativos al contar la historia de Milagros del Rosario Quezada Borbón, una cantante oriunda de Santo Domingo que desarrolló su carrera musical en Nueva York y que, hasta el momento, ha ganado cuatro Grammy Latinos. Lo que se cuenta aquí va desde su infancia hasta mediados de los ‘90, ofreciendo de ese modo un panorama bastante amplio de su trayectoria.
Tan amplio, de hecho, que termina presentando más anécdotas que situaciones realmente desarrolladas, hasta el punto de que, en muchos aspectos de su discurso narrativo, se convierte en una ‘biopic’ sumamente convencional. Pero lo curioso es que, de manera paralela a esta aproximación, adopta formas novedosas al sumar estrategias propias del musical durante las escenas en las que los personajes se ponen súbitamente a cantar sin encontrarse sobre un escenario.
La combinación no siempre funciona, sobre todo porque llega acompañada por momentos que sí recrean conciertos específicos, lo que se traduce sobre todo en problemas de ritmo; pero esto hace también que la película no sea nunca aburrida, con el respaldo de una estética realmente colorida, el carácter alegre de la mayoría de las canciones, la más que correcta actuación de Sandy Hernández en el rol estelar y la inserción de algunos comentarios sociales que se muestran mesurados, pero que no evitan los cuestionamientos a las políticas intervencionistas de los Estados Unidos.
Nos complace ver que se le esté prestando tanta atención al género de nuestros amores en la edición actual del LALIFF, que, además de “Quince”, incluye en su programación actual a “Bajo tus pies”, un trabajo español de terror que, sin llegar ni por asomo a ser memorable, nos recuerda ocasionalmente a grandes exponentes del mismo origen territorial, como “El orfanato” , la ópera prima de J. A. Bayona.
La cinta tiene el privilegio de contar con la participación estelar de Maribel Verdú, la excelente intérprete madrileña que ha participado en clásicos de la talla de “Y tu mamá también” y “El laberinto del fauno” , y cuyos méritos en la presente producción le valieron el premio a la Mejor Actriz en la edición 2026 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Oporto.
También llama la atención el papel de Sofía Otero, la protagonista de la sobresaliente “20,000 especies de abejas” , quien se pone en la piel de una niña particularmente dura para los estándares del cine comercial mientras se inserta en una trama que la encuentra con su madre y su hermano mayor en un lujoso departamento de Bilbao ubicado dentro de un edificio que podría estar controlado por unas ancianas que hacen ruidos particularmente molestos cada vez que cae la noche.
Pese a que su segmento culminante tiene más de una deficiencia, “Bajo tus pies” es rescatada por la intervención de las susodichas y por una primera parte que logra desarrollar adecuadamente un sentido de amenaza inminente, jugando con los límites que pueden existir entre el ‘thriller’ y el horror. Escribe artículos de entretenimiento en Los Angeles Times en Español y lo hizo anteriormente en todas las ediciones impresas de HOY Los Ángeles.
Previamente, trabajó como colaborador con el diario La Opinión. Inició su carrera periodística como redactor y luego editor del suplemento de entretenimiento “Visto & Bueno”, publicado por el diario El Comercio de Lima, donde hacía también críticas de cine.
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